Árbol Genealógico de la Fotografía

Hola queridos todas y todos. Hoy hablaré un poco de la teoría en el arte de la imágen fotográfica. 

En algún libro de éstos, de los que usaba para dar clases a universitarios, reencontré  un árbol genealógico, en donde las ramas mostraban la clasificación de los distintos tipos de fotografía y las propuestas de los autores, dentro del arte y la sociedad, como la fotografía científica, el retrato o el foto reportaje.

Hoy, con el Instagram y la posibilidad de crear imágenes al instante, no sé si todos o algunos de los artistas piensen en ello. Dentro de las ramas de la imagen fotográfica podían incluirse: 

Abstracción Pura

Fotográfia Experimental

Fotografía Subjetiva

Fotografía Psicológica 

Fotografía Surrealista

Composición 

Foto Sociología 

Documental, entre otras; y sus extensiones tecnológicas que tan sólo se desarrollaban en la industria, el cine, el video y la holografía. Después se comenzó a incluir la Infografía, las técnicas mixtas, y luego las técnicas antiguas como las Cianotipias, como intentos de proponer algo nuevo en la obra contemporánea. Como sabemos, los smartphones y la fotografía digital, amplió el espectro hacia rumbos que nunca nos pudimos imaginar, sin embargo, la rapidez con la que sucedió ésto, no dio tiempo a la posibilidad de explotar en todo su potencial a la imagen fotográfica análoga. Entonces por ahora, salvo excepciones de algunos artistas que decidimos seguir con los antiguos medios de cuarto oscuro, no se ha llegado a un clímax en el arte y la propuesta de la técnica y la imagen en fotografía.

Las exposiciones que he visto y vi antes de la clausura por el virus, se contentaban con ser retratos de gran formato, imágenes sobre la vida gay, la prostitución, la pobreza, algo de feminismo y retratos de violencia social, quizá por moda. Éstas, en general sórdidas. No creo que estén mal ni bien, pero pasan los años y las propuestas no tienen gran variación, tal vez en técnicas, pero ¿cuál es el fin de ello, si el resultado, no justifica el uso?

Tal vez el Arte Contemporáneo que se «acepta» hoy, tenga que ver con ello; lo fácil, lo inmediato, lo instantáneo, las modas sociales o el uso de las tecnologías avanzadas, han dejado, a veces, muy atrás la idea de la originalidad, del objeto único y de lo íntimo de la creación artística, la idea de la inspiración y el trabajo, el juego de la experimentación y la emoción del descubrimiento.

¿Ustedes qué opinan? ¿cuál es su experiencia? 

Pues me despido, hasta la próxima. ❤️👋🏻📷

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La inspiración según Julio Cortázar y mi experiencia con el proceso creativo.

 

 

Hola amigos de la red, deseando que estén bien durante estos días extraños, les platico que he pensado mucho en la idea de la inspiración, pero no en el sentido teológico de la palabra, sino, en la forma en la que podemos vivirla o no, algunos creadores plásticos o escritores; pues ahora me he sumergido en la lectura de «Abismos de papel, Los Cuentos de Julio Cortázar», del autor Alberto Paredes, quien en las primeras páginas del libro, habla de esto.

Cortázar, ciertamente tenía una postura teórica para hacer su obra, por otro lado, nos dice el autor, hablaba de que el cuento por surgir, era una masa oscura de la que tenía que liberarse, entonces sentía la necesidad de llevarla al exterior escribiendo, y es así como lograba el cuento.

Esa masa oscura que se describe en el libro como un desplazamiento de consciencia; era al mismo tiempo una intuición, una percepción del acto creativo por otra forma de consciencia de Cortázar, que a su vez, no era su propia consciencia. Estos entes que lo guiaban en el proceso de escribir; eran y no eran parte del discernimiento del autor. Ese trance, era sumergirse en un état second. En particular, siento que es así, pues cuando estoy muy concentrada en el acto creativo; de alguna manera que no sé explicar, busco en mi interior abrirme a la experiencia del proceso, y es entonces que llega esa clase de separación de mi yo, y cuando entra, sin darme plena cuenta, esa inspiración; no sé decir si como la masa oscura de la que habla Paredes, en mención a Cortázar; pero, bajo mi vivencia, es ese algo llamado inspiración. Pienso, que es en ese estado, en donde se gestan las mejores obras de arte universales.

La inspiración, esa intuición, ese algo, a veces entendido como cosa de naturaleza divina, emocional o un conocimiento no proveniente de la razón, eso de lo que hablaban Picasso, Freud, Jung, Herman Hesse, Simone de Beauvoir o Kafka, por mencionar algunos. Se sabe que el poeta Friedich Shiller alguna vez le dijo a Goethe, que uno de los objetivos del escritor, debía ser el de transformar una idea en una intuición ¡imagínense!

En mi experiencia la obra creada por esta musa, es la que vive per se ante el espectador, la que le dice algo sin necesidad de explicaciones ajenas a la obra misma; la que se convierte, por decirlo de algún modo, en un ser completo e independiente del artista, un ser casi vivo ante quien lo mira, pues emana un ánima o un ánimus junguiano; creo que la llamada obra de arte, proviene de esa inspiración que nace de un estado muy profundo del verdadero artista.

Amigos, ¿cuál es la opinión de ustedes? ¿Han vivido algo así durante su proceso creativo? Cuéntenme.

Sin más, espero que se encuentren bien en todo sentido y que no se desanimen con este encierro obligatorio que tarde o temprano terminará. Cuiden su salud y la de los demás. Abrazo fuerte. Nos vemos la próxima.

Una visita y un placer obligado

Hola mis queridos internautas visitantes. Deseando que hayan pasado una gran semana, hoy quiero compartir con ustedes mi visita a la exposición «Solo con la noche», un título que queda muy ad hoc con los trabajos que se presentan en México del artista suizo (1940-2014) Hans Rudolph Giger, más conocido por todos como H. R. Giger.

Las obras, como saben, son oscuras y tenebrosas; sus figuras son negras en el sentido profundo de la palabra. Los temas que trata, los tonos y atmósferas que logra, nos llevan a mundos fantásticos, satánicos y primigeneos.

La primera vez que yo vi una obra suya, fue en la portada del álbum de Celtic Frost «To Mega Therion», fue una imagen que me impresionó tanto que la pinté en una chamarra, La chamarra la heredó un gran compañero de vida, mi querido Juan.

Hoy, para mí, es un sueño hecho realidad estar ante éste y otros trabajos de Giger. He aquí la imagen, con la que inicio mi historia con él. Siento una gran emoción de estar frente a ella.

La exhibición es bastante grande y consta de esculturas, dibujos a tinta, algunos óleos y obras en aerógrafo; una de las técnicas que más usó en sus trabajos.

He titulado el blog como «Una visita y un placer obligado», pues siento con sinceridad y admiración, que Giger ha marcado la vida de muchos jóvenes de su tiempo y de la actualidad con su arte, y obviamente, con la creación del Alien; con la estética y concepto de este ser del espacio sideral, con el realismo mismo del personaje y posterior a ello, con las obras que le siguieron. Es un hecho que sembró inspiración en muchos diseñadores, creadores plásticos, cineastas, dibujantes, profesionales de las artes o sólo admiradores, y en todos aquellos que amamos su trabajo. Incluso -según narra en un video- hay quienes copian o continúan usando sus obras para sus propios fines… 😐Sin embargo, aunque prefería no saber, pensaba que esto era encierta forma, un motivo de orgullo, pues de algún modo veneraban su trabajo. 🤓

La musografía es oscura, casi como una escenografía teatral, metalera, pasillos negros, cortinas negras, contrastes de luz y sombras; un interesante acierto para exhibir la obra del gran Giger.

En la expo se presenta una gran variedad de trabajos que muestran la trayectoria de Giger, las técnicas que usó, sus propuestas y conceptos desde los inicios de su carrera hasta la ėpoca final de su vida. Por supuesto, pasando por su mayor y más conocido éxito: EL ALIEN.

Sin más los dejo con estas imágenes. Besos de arte y literarios.

Otras actividades que me ayudan a seguir creativa.

Hola amigos,

Primero que nada, mis mejores deseos para el año que comienza. Que sea super increíble y lleno de sorpresas maravillosas 😀

Bueno, hace unos días, andando por las librerías 😀 vi diferentes propuestas editoriales en las que los autores nos proponen usar los libros de otras maneras que no son sólo la lectura. Así, me topé con los siguientes.

1.- Destruye este diario, en el que la autora Keri Smith, nos va dando diferentes pasos para destruir el librito, advirtiendo que destruir, es un paso para construir y que la idea queda a la interpretación de cada quien. Me pareció interesante desde el momento en que nos sugiere los materiales de destrucción como pegamento, tijeras, pegatinas,  sellos, suciedad y muchas otras cosas como tilichitos encontrados por ahí, bichos, hojas piedras; e incluso pone en su lista de materiales, a las ideas, lo que me remite de inmediato a las sugerencias para ser creativos de El Camino del Artista de Julia Cameron.

 

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2.- 365 formas de vivir en armonía y confiar en sí mismo. El arte y la sabiduría de colorear para levantar el espíritu. Este libro, viene con aforismos y un dibujo que acompaña a la frase o al pensamiento; y no sé si en verdad el título funcione como dice en las personas, pero me gustó la idea de iluminar a diario cada uno de los diseños, también porque son pequeños y así no habría razón para no tomarme ese tiempo y concentrarme en la tarea.

 

 

365 Formas de cvivir en armonía y confiar en uno mismo. El Arte y la Sabiduría de Colorear para Levantar su Espíritu.

Mandalas y aforismos.

 

 

A mí, desde pequeña me ha gustado iluminar, recortar y todo eso; me gustaba colorear, dibujar, armar, pegar y coleccionar estampitas; y los juegos aquellos de vestir a las muñequitas que ahora ya vemos en la red; actividades que  de hecho, mis padres me inculcaron, no sé si por que eran los métodos  de enseñar y ocupar a los niños de entonces o porque a ellos les parecía bonito e interesante; la cosa es que ahora que veo este tipo de libros, me transportan a la niñez y al disfrute de seguir ciertas instrucciones para obtener un resultado creativo, ya que al final obtendré un objeto realizado por mis manitas; un objeto que si no es estético, me dirige hacia esa vertiente, al igual que armar rompecabezas o armar modelos arquitectónicos; cualquier propuesta es buena e interesante de realizar, porque también uno ve a corto plazo un trabajo terminado, y eso mis amigos, es un buen incentivo para la mente creativa y el desarrollo de la imaginación. Créanme.

Modelo arquitectónico para armar

Torre de Pisa

 

 

 

 

 

 

 

 

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En fin, en el mercado hay una gran propuesta al respecto; desde agendas para colorear hasta cuadernos tipo calendario para iluminar obras de los Grandes Maestros de la pintura y llenos de ideas que nos llevan a explorar ese lado creativo que todos poseemos, y nos transportan a la niñez, de una manera en la que casi cualquier adulto, estaría dispuesto a experimentar sin reproches a sí mismo, ni a los demás por la sugerencia.

Sacar los colores, y los pegotes para ir recreando cada una de las propuestas que les comento, me incentivan para no perder la inspiración y para que no me atrape el desánimo. Habrá quien piense que esto es un método de perder el tiempo, pero, para ser sinceros, hay veces en que un artista o un creativo, necesitamos hacer alguna actividad que nos regrese al camino de la inspiración, a la sencillez de inventar como cuando éramos niños y de ahí, al acto creativo profesional, según cada cual.

 

Sin más, espero que sigan disfrutando de cada momento de este nuevo año; de la creatividad con la que todos fuimos dotados y de esos aspectos maravillosos de la niñez que permanecen en nosotros, como el de descubrir, asombrarnos e inventar mundos secretos y mágicos; aunque a veces no nos demos cuenta.

Hasta pronto ❤

Algunas ideas del pintor Mark Rothko

Hola mis querid@s tod@s

«Para mí el arte es una anécdota del espíritu…»

Mark Rothko

 

¿Conocen a este artista? ¿Les gusta? ¿Qué opinión tienen de su obra? En el 2005, el Museo de Arte Moderno en México, trajo algo de su trabajo, así que pudimos verla de primera mano. A mí, me gustan muchas de sus composiciones y colores. Sus pinturas oscuras -aunque no formaron parte de esta muestra- me parecen tan tristes y depresivas como tal vez lo fue su ánimo en el momento en que las hizo. El pintor formó parte de la Escuela de Nueva York configurada por Robert  Motherwell, Whilliam De Kooning, Ad Reindhart, Barnett Newman,  y Jackson Pollok entre otros.

Rothko dejó algunos escritos sobre el arte y los artistas; algo de lo que escribió, fue acerca del trabajo de los niños y su formación en el área. El período de estas notas va de 1934 al 69, y su propuesta fue (basada en las ideas del pintor y profesor de artes austriaco, Franz Cizeck 1865-1946) la de hacer del arte una cosa natural en la vida de los niños a través de la enseñanza en las aulas; Rothko ve que los niños y su proceso creativo se daba de manera tan natural como si de hablar se tratara. La mayoría de los niños sabían y tenían claro qué y cómo hacer sus dibujos y pinturas, sin los problemas a los que el adulto se enfrenta. -Quienes hemos trabajado con niños nos damos cuenta de ello, y también de que ese proceso creativo que se da tan natural en ellos, se pierde en algún momento durante su desarrollo-. Haciendo esto a un lado, las obras de los niños tienen, casi sin dudarlo, esa perfección, esa sencillez y fuerza, que vale tan sólo por su belleza estética y la emoción que nos producen. Lo interesante del planteamiento es que Rothko piensa que la obra del artista -y yo creo también que sí- debe tener esas características, pero con la consciencia y la intención del profesional. Quien llegue a ello, podría llamar «arte» al resultado. Y por supuesto; no es cosa fácil…

Mark Rothko. «Sin título», óleo y acrílico sobre tela, Mural de Seagram, 1959, 185X153 cm

En esos años, el arte y los artistas comienzan a vivir y a asentarse en términos de ser y existir a través de un análisis y de lo conceptual en la obra; que ya no podía justificarse por sí misma, sino que ahora tendría que ir acompañada de un marco teórico que «la defendiera», pero a su vez, no debía perder «eso» que hace que nos emocionemos.

Según Rothko, y lo sabemos ahora; en la mayoría de los niños desaparece esa creatividad; pero los que logran conservarla, pueden llegar a ser verdaderos artistas y provocarnos esa emoción que hace que el arte sea.

Bueno, deseándoles lo mejor del mundo en estas fiestas por venir, les dejo besos literarios y de arte.

La imagen de portada es: «Rojo, blanco y marrón», 1957, óleo sobre tela 252X207.5 Mark Rothko

 

Fotografía y experimentación plástica. Parte II

La experimentación plástica es una clave para obtener la voz propia, para encontrar la estética que a uno lo identifica. No es para nada copiar una y otra vez, o repetir, -como muchas veces piden las galerías- las mismas formas y figuras, los mismos colores, o el mismo tono de la obra; más bien hablo de un camino para enriquecerla. Lo mismo diría para la escritura, la ilustración, la imagen fotográfica, (que es el tema de hoy) etcétera.

Por eso me interesó mucho reflexionar acerca de la Fotografía subjetiva y de los fotógrafos que se unieron a los movimientos dadaístas y surrealistas ya que ellos, marcaron una época de grandes propuestas con la imagen y la técnica, que a mi parecer y desde entonces no han vuelto a suceder. Creo que no se han dado esos «cambios» porque la tecnología le ha ido ganando a la técnica y a las propuestas que se hacían a través de la cámara mecánica y del cuarto oscuro. No hubo un tiempo para el desarrollo en ese sentido, como lo tuvieron la pintura, la escultura e incluso el mismo grabado, que pienso tampoco fue muy buscado para la experimentación plástica o por lo menos no hasta hace poco. Quizá en ambas; grabado y fotografía, los artistas no las miraron de ese modo, por ser medios de multireproducción, no lo sé. Recordemos incluso que muchas de los momentos que vivió la fotografía en términos de «otras formas de mirar» y a través de la técnica fueron accidentales; casualidades dichosas, que más bien han sido usadas sobretodo por los artistas plásticos, y a veces también por algunos grabadores.

Yo pienso que aunque la imagen fotográfica siga siendo de registro o testimonial; ya es hora de que como en otras áreas del arte, los fotógrafos tengamos una propuesta propia, que no destruya la autoría como lo hace «la apropiación», cosa que pienso, es una barrera para el desarrollo de un lenguaje personal, además de un plagio abusivo…   una falta de inteligencia o de desarrollo de la misma para hacer lo propio y tener que verse en la «necesidad » o comodidad, de copiar, de robar o de «apropiarse» de las ideas de otros, por falta de destrezas o por pereza mental. Para mí, el que se apropia se quiere saltar el oficio, y si te saltas el oficio, estás en ceros… 

 

Propongamos pues seriamente a través de la experimentación, del estudio, del conocimiento y de la práctica diaria del Maestro.

La pintura por ejemplo, pasó y sigue pasando por tantos «ismos» que es lo que la ha hecho. La fotografía no ha tenido tiempo; no ha vivido la experiencia de un desarrollo a través del paso de los años ¡no ha tenido tiempo!

Con las nuevas tecnologías, la imagen fotográfica sigue siendo la misma, pero sin la técnica. La misma manera de «ver» en vez de dar el salto a esa nueva visión, la imagen fotográfica; se quedó más o menos igual, salvo algunos casos aislados. Lo que sí cambió, es el uso de los dispositivos móviles y computadoras en vez de cámara y laboratorio; la rapidez con que hoy el mundo puede apreciarlas, y que ahora, cualquiera en el planeta puede hacer y acceder a las imágenes fotográficas.

Bueno, lo interesante de todo, sería proponer y cuestionar, incluso con «la pureza del medio», sea cual sea y como dirían algunos, pero profundizando; sumergirse en, y buscar un sentido técnico y estético. Expandir nuestra creatividad en el campo, no estancarse y jugar a lo conceptual que tristemente, no sostiene a la obra, y donde ni siquiera el discurso se sostiene por sí mismo 😦 Al final, todo se trata de enriquecer la obra y el propio estilo. Trascendencia, dirían algunos… 😀

Bueno mis querid@s tod@s, dejen sus opiniones. Les mando un abrazo y nos vemos para muy pronto 😀

 

Fotografía y experimentación plástica. Primera parte.

Hola a todos mis querid@s

Sin duda alguna pienso que cualquiera que trabaje con las imágenes y quiera manifestar su verdadera creatividad, tendría que conocer la técnica de su arte -primero que nada dominarla- y luego, experimentar para encontrar y desarrollar un lenguaje personal, un estilo; cosa que nos interesa a la mayoría de los artistas de cualquier género, creo yo…

Como ustedes saben, una de mis pasiones creativas, es la de la imagen fotográfica. Estar parada aquí, me ha hecho reflexionar, desde hace muchos años, sobre qué camino tomará la fotografía análoga; si es que existe esa probabilidad, o si desaparecerá por completo ante las nuevas tecnologías.

Creo que durante los primeros cien años de vida de la imagen fotográfica, fue cuando mayor motivación tuvieron los artistas, los mismos fotógrafos y los pintores para buscar la experimentación plástica en este campo. Movimientos como el Surrealismo y el Dadaismo fueron los que influyeron de una manera más decisiva para que la fotografía tomara, o por lo menos incursionara dentro de la experimentación.

Fotoform, fue otro movimiento durante el cual los participantes se permitieron una mayor autonomía para crear.

 

 

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Artistas y fotógrafos como Man Ray, László Moholy Nagy, André Kertész, Alfred Steiglitz, y más modernos como Robert Doisneau, Joseph Koudelka y Jann Bertrand Arthus, por nombrar sólo algunos; por lo menos a mí, estudiarlos y seguir su obra, me ha dado herramientas teóricas, conceptuales y técnicas para lograr un lenguaje propio dentro de la fotografía análoga.

¿Ustedes qué piensan? ¿Creen que todavía hay oportunidad de explorar técnicas, equipo y todo eso, para los fotógrafos que aún practicamos con la cámara de 35mm, los negativos y el cuarto oscuro, o piensan que las nuevas tecnologías pronto acabarán con nosotros? Y no es que uno no se adapte, yo por ejemplo, soy gran admiradora del instagram, del facebook etc., además que no puedo pasar un día sin que use mis dispositivos móviles para hacer fotos y subirlas, aunque me gusta más tenerlas impresas, como en la antigua usanza 😀 no hay lugar a dudas, me encantan como a la gran mayoría, sencillamente he pensado en lo que les comento y me he decidido a compartírselos.

Por ahora los dejo. La reflexión continuará en el próximo blog. Sin más, besos literarios y de arte.

Arquitectura, diseño, naturaleza y la importancia de los objetos.

Los objetos tienen historia. La historia propia, la de sus dueños y ellos, en convivencia mutua, y la historia que uno desee inventarles. A mí siempre me han gustado los objetos; sobretodo los de antaño. Me llevan a la melancolía y a la remembranza; hacen volar mi imaginación. Me inspiran a crear historias visuales y escritas. Me transportan a distintos mundos y lugares. Lo mismo me sucede con la naturaleza, que nutre mi espíritu e intelecto y me insta a la soledad creativa. Por eso, me gusta compartir con ustedes, cuando encuentro esos lugares tan interesantes, en los que descubro a esos personajes silenciosos. Para mí la importancia de los objetos, radica en inspirar al artista, al escritor, al fotógrafo, al diseñador o a cualquiera que use la imaginación para sus actividades cotidianas; y aunque los objetos que muestro en la foto de portada y aquí abajo, los saqué de la basura -porque me encantaron 😀 -; tienen ese potencial de inspirar al ojo receptivo y a las mentes abiertas a dichas, y otras experiencias.

Objeto Cháchara

Por otra parte, la naturaleza urbana, la de los jardines de viejas casonas y la que encontramos en nuestra vida diaria; está llena de «objetos visuales» vivos e inertes, que también enriquecen e invaden a las imaginaciones desbordadas, o es un buen inicio para ello.

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También podemos crear a través de la arquitectura y las curiosidades urbanas, que pueden ser también, un incentivo para sorprender a nuestra imaginación con lo que vemos de cotidiano.

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Y bueno, esta aventura comenzó cuando hace un par de días visitamos el «Archivo Diseño y Arquitectura» y el «Estudio Taller Luis Barragán». El Archivo tiene objetos de principios del S.XIX, algunos otros poquito más antiguos, y diseño de muebles y objetos funcionales que van desde trastos «viejos» hasta utilitarios como máquinas de escribir, cámaras fotográficas, sillas, maceteros y todo lo relacionado con el aprovechamiento del espacio, el diseño, la decoración y reciclaje de cosas cotidianas como garrafones de plástico, con los que están hechas las macetas que abajo se muestran.

 

Entrada de acceso al archivo y las exposiciones

Arquitectura y Diseño

Arquitectura y Diseño

Arquitectura y Diseño

Arquitectura y Diseño

Arquitectura y Diseño

Arquitectura y Diseño

El lugar está muy cuidado en su diseño general. La arquitectura muy bien conjugada con el precioso jardín; todo perfectamente adecuado al concepto del lugar, en el que se puede disfrutar de un café y un sándwich, o tan sólo sentarse a leer un libro. Incluso hay una pequeña salita acondicionada como biblioteca.

Entrada de acceso al archivo y las exposiciones

Vistas del jardín

Vistas del jardín

Vistas del jardín

Luego visitamos el Estudio Taller de Luis Barragán, en el que hay una pequeña sala de exposiciones, un bello jardín y la azotea, que también son espacios para el arte.

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Amigos ¿ustedes qué piensan? ¿Creen en el poder de los objetos para enamorar a un artista de cualquier género? Yo sí.

Por ahora los dejo y nos vemos muy pronto. Besos de arte y literarios

José Luis Cuevas

Hola mis Iluminatis queridos, como ustedes saben, hace un par de meses murió el pintor y escultor José Luis Cuevas. Él fue una persona polémica y a veces muy criticada incluso por su vida personal y su amor a sí mismo; pero eso no quita lo grandiosa que fue su obra plástica. Ahora con motivo de su fallecimiento, hay algunas muestras de su trabajo. Hoy me encontré una pequeñita en el Palacio del Arzobispado, en la que hay grabados y algunas piezas escultóricas. Aquí les dejo unas fotos de la expo:

Obra de José Luis Cuevas

Autorretrato con Bertha

Obra de José Luis Cuevas

Siameses No. 1

Autorretrato con escultura de Cuevas

 

A mí sinceramente siempre me gustó su obra. Sus grabados son impecables en tonos formas y dibujo; sus esculturas son muy creativas y voluptuosas aún teniendo apariencia bidimensional como «Siameses No. 1» que dejé en las fotos. Si tienen oportunidad, les recomiendo sobre todo visitar el museo que lleva su nombre.

¿Ustedes qué opinión tienen de su obra?

Sin más les dejo Besos literarios y de arte, hasta muy pronto 😀

 

El alma y el artista

Alma, Ánima, Nous, Pneuma, Ánimus…

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Alma, del griego ánemos- viento.

El alma es lo que «anima» de los latinos; que quiere decir «lo que tiene vida» (Hombre, animal, planta)

Es interesante saber cómo desde siglos atrás, se tenía nociones de algo llamado Alma. Plotinio, el griego, decía que los seres vivos, contenían un principio vital; lo que ahora conocemos como alma- aliento- ánimo- esencia- substancia, principio- consciencia-soplo y cosas así.

Plotinio propone tres aspectos que son: el alma, el alma relacionada con el cuerpo o un compuesto de ambos y trata de encontrar si estos aspectos, pueden achacarse al alma considerada en sí misma «alma pura»; trata de averiguar si el alma que habita un cuerpo viviente es asiento de las pasiones y si éstas, tiene su origen en la mezcla de cuerpo y alma. Se interesa por saber a quién se le deben atribuir las  sensaciones, ya que las pasiones; o son una  sensación, o son imposibles sin ellas. Quiere saber si el alma tiene las mismas sensaciones que el cuerpo, o si sus sensaciones, son diferentes y propias del alma. Y para él: Ser y Forma del alma son lo mismo.

Hay pocas culturas en la actualidad que hablan del alma o del espíritu; esa esencia que existe incluso en la comida, en los objetos, en las acciones ceremoniales y artísticas. Las culturas orientales como la japonesa, está muy inmersa en ello, fíjense por ejemplo en cómo cultivan sus flores; en como veneran las flores del cerezo, el ikebana, el bonsai; en cómo cultivan sus letras y la delicadeza de sus kanjis y su ceremonia del té; fíjense en cómo construyen sus casas con tanta armonía, minimalismo y naturaleza.

Flores

Se dice que cuando el artista verdadero realiza arte, está trabajando con el alma, con el espíritu; él, ellas, ello, son las musas. Ese ser que domina al cuerpo y la mente, que posee todo, que lleva al artista a un estado casi meditativo, silencioso, monstruoso y creador; un estado de pasión, corporal, gestual; ser y forma; forma y ser que se unen para crear hoy y siempre; aunque como sabemos el arte en la antigüedad, era cosa de normas y reglas muy específicas y el acto de crear sólo pertenecía a Dios; sin embargo, el alma estaba impresa en las obras artísticas, y el poeta, era el único que en realidad creaba, él no tenía nada que ver con las reglas de imitación de la pintura y la escultura, por ejemplo.

Longino, (en cuanto a las letras), afirmaba que para ser artista, se necesitaba que el aspirante experimente emociones profundas, que tuviera además pensamientos sublimes y también leer a los grandes Maestros, que ya habían sido encontrados por las musas.

Han adivinado que las palabras de Longino, pueden aplicarse en la actualidad, a cualquier arte, el arte verdadero, el que es universal y que ha pasado las barreras del tiempo.

¿Ustedes que opinan al respecto?

Como siempre mis amig@s, me despido dejándoles besos de arte y literarios.